アヴァンギャルド・チャイナ

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 やや旧聞に属するが、国立新美術館で開催されていた「アヴァンギャルド・チャイナ」を訪れた。予想以上に過激で新鮮な内容に驚く。今日、これほど刺激的な作品が量産されている地域をほかに思い浮かべることは困難である。
 今回の展覧会では1980年代中盤から今日までの20年間の中国の現代美術を紹介している。わずか20年余の短い期間にも関わらず、作品の傾向や表現方法がなんと多様なことか。メインタイトルに「中国の現代美術」という名が冠されていない点は示唆的である。次に述べるように、今回の展覧会ではこの20年間の中国本土における「現代美術」を概観することが意図されているのであるが、ここに出品された作品を地域や歴史として統括することにあまり大きな意味は感じられない。過激さにおいて際立ったこれらの作品を総括する名称を与えるとすれば、歴史性の含意を切り捨てたうえで、表現の先鋭性を意味するアヴァンギャルド以外にはありえないだろう。
 確かに89年、ポンピドーセンターでの「大地の魔術師たち」の頃から、パリやニューヨークを経由して国外で活動する中国の若手作家に関する情報が入ってきていたが、今回出品された作品は基本的に80年代以降、中国国内で活動した作家によって制作されている。つまり、天安門事件前後の社会状況に直接対峙した作家によって構成されているのである。この点は同じ「社会主義国」の美術であっても、ソビエト末期の作家たちの受容と対照を示している。カバコフに代表されるとおり、文化的亡命を果たしたいわゆる「ソッツ・アート」の作家たちが資本主義体制内でそのオリジナリティーを発揮したのに対し、これらの作家たちはあくまでも体制内に留まりながらアヴァンギャルディズムの可能性を問うのである。ナチスやスターリン治世下における芸術の在り方を想起するならば、中国における共産主義とアヴァンギャルドの共存はきわめて特異で問題提起的である。しかしこの問題はブログで論じるには大きすぎる。ひとまず若干の作品について所感を記す。
 展覧会は「アモイ・ダダ」と呼ばれる動向から出発する。美術館で展覧会を開き、展覧会終了後に美術館の前庭で出品作品を焼却するという1986年のイヴェントは前例がない訳でもないが、美術史のタブラ・ラサという点で新しい美術の出発点を画しているだろう。ここに出品された作品全体をなんらかの美術運動との関連づけることは不可能であるが、否定と破壊という点で多くの作家にダダイスムの精神が認められる。例えばアモイのイヴェントにも参加した黄永砅という作家は『中国絵画史』と『現代絵画簡史』という二冊の書物を洗濯機で攪拌した作品も出品しているが、この作品は直ちにジョン・レイサムが1966年にクレメント・グリーンバーグの著書『芸術と文化』に対して行なった冒瀆的なパフォーマンスを連想させる。黄がレイサムを知っていたか否かは不明であるが、この作品は権威や絵画史への反抗の身振りであると同時にもはや歴史を参照せずとも作品が可能なポスト・モダンの到来を暗示している。これを証明するかのように展覧会ではパフォーマンスから、ポップ・アート、幾何学的抽象からコンセプチュアル・アートまで、百花斉放というより何でもありといった印象の多様な表現が繰り広げられている。
 あらためて感じるのは身体性という問題が多くの作家にとって中心的な課題となっている点である。今回、最も衝撃的な作品は馬六明と張洹のパフォーマンスのヴィデオであった。いずれの作家においても作家の身体が表現の直接的な媒体とされ、私はこれらの作品から50年代の芦屋や60年代のウィーンを連想した。これらのパフォーマンスの共通点は全裸で演じられる点である。魚を生きたまま熱湯の中で煮る。宙吊りになった作家の身体から抜き取った血液を煮沸する。暴力的な衝動が馬にあってはサディズムへ、張にあってはマゾヒズムへ転化されて、センセーショナルに提示される。肉片を指で揉み続ける映像を提示する顧徳新、あるいは皮膚をかきむしる行為を淡々と映示する張培力の作品はアンチ・クライマックスという手法においてミニマリズムの反映を認めることもできようが、例えば後者をウォーホルの一連のフィクスト・ムービーと比較する時、やはり素材としての身体が突出していることは明らかである。肉片や血液、肉体は撮影される対象というより、作品の素材として直接作家の手によって変形される。おそらくこのような傾向の延長上に孫原と彭禹という二人の作家ユニットがいる。カタログを読んでかつて横浜トリエンナーレで人間の脂肪を塗りたくった柱を出品した作家であったことを思い出したが、今回の展覧会にも本物の老人そっくりな13体の樹脂製人形を電動車椅子に乗せ、室内を自走させるというショッキングな作品を発表している。カタログによれば彼らは実際に人間の死体を利用した作品を制作したらしい。私の知る限り、人間の死体を使用した作品は欧米に存在しない。死体が売買されているといった事情はあろうが、人間の尊厳というか表現をめぐる一線をかくも軽々と踏み越える作家の出現は私にとって驚異であった。しかしこれについても作家解説の中で触れられている程度で、資料が少ない。写真の掲出は困難であったかもしれないが、少なくともいくつかのブログやホームページで企画者側が説くように、多くの困難を越えて開催にこぎつけた展覧会である以上、出品作家に関してももう少し詳細なデータが準備されるべきではないだろうか。ハプニングやアクションの調査が困難であることはよく承知しているが、明らかに身体的な表現が現在、中国で沸点に達していることが了解されるがゆえに、出品作品以外の情報も望まれるのである。私は日本の戦後美術においても身体を用いた表現が一つの系譜をかたちづくっていると考えるが、中国の状況を勘案するに、それは東アジアという風土と関係を結ぶのであろうか。この問題はさらに広い視野から検討する必要があるだろう。
 平面作品や写真を用いた作品も完成度は高く、展覧会はきわめて充実している。平面に関してはこれまで国内でも紹介された作家が多く、既視感があったが、そこに並べられたイメージとポップ・アートあるいはシミュレーション・アートとの関係などは今後問われるべき課題であろう。これらの作品はなんらかの文脈の中に整理して論じるべきか、それとも一つの現象として投げ出すことこそが、作品の正しい遇し方なのであろうか。この問いに答えるためにはもう少し多くの作品を見る必要があるように感じられた。それにしてもこの20年に限っても、ニューヨークやパリで開かれる作家の個展が毎月、美術雑誌に掲載される一方で、日本海を隔てた隣国の現代美術がこれまでほとんど紹介されなかった状況は異常である。ほぼ同じ時期に東京国立近代美術館で開催されていた「エモーショナル・ドローイング」も含めて、ようやく私たちは同時代のアジアの美術をリアル・タイムに論じることができるようなキューレーションの視座を手に入れたといえるのではなかろうか。
by gravity97 | 2008-11-10 17:40 | 展覧会 | Comments(0)

優雅な生活が最高の復讐である


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